Hornby da un giro de 180 para contarnos lo (mejor) de siempre

An education' (Lone Scherfig, 2009)

Con Nick Hornby me pasa como me pasaba con Michael Jordan, con tal de que no la cague, yo feliz de seguir presenciando su leyenda creciente. Tras dos vueltas a la NBA, el 23 ya no hacía gestas enormes, pero meter 20 puntos por partido mantenía su récord anotador histórico por encima del de Wilt Chamberlain. Así seguía siendo el más grande. Suficiente.

Para mí, Hornby ya hizo suficiente al escribir 'Alta fidelidad' hace más de una década y es cierto que si  es cierto que le he vuelto a disfrutar cada vez, siempre ha sido en menor medida que la primera. Tengo entre manos 'Juliet, naked', su última novela, cosa fina, recomendable hasta el meridiano, que es por donde voy. Pero no es 'Alta fidelidad'. Ni falta que hace. 

Lo que aprecio de él no es lo bien que escribe sino lo listo que es y lo listo que me hace sentir cuando río sus gracias. En ese aspecto soy un chico pop.

Ahora Hornby hace cine de manera seria. Me explico: guioniza de cero 'An education' (esto es, no hay novela previa). Y, a pesar de que se retrotrae a los 50, le reconozco. Al menos en los guiños que me hacía antes. Su construcción del amor romántico es absolutamente identificable en cuanto a que la idealización de la amada tiene mucho que ver con el "te quiero a pesar de las bragas de algodón que llevas puestas hoy porque soy yo el único a quien se las enseñas" que ya nos había mostrado en anteriores entregas. 

Por ello, la idea de construir a su impresionable (e impresionante) personaje femenino alrededor de una sonrisa canónica y un puñado de virtudes execelentes encarnadas por la luminosa Carey Mulligan (el mayor hallazgo de Hollywood desde Amy Adams) habla, no de consecución de metas románticas, pero casi.

No es 'Pigmalion' lo que cuenta 'An education', sino una evolución, la vuelta de tuerca en que el aprendizaje de la joven padawan cristaliza en bidireccionalidad. Tal y como la definirían los ejecutivos que negocian adquisiciones en los sótanos de Cannes, es 'La sonrisa de Mona Lisa', aunque sin la carga de moralina antimachista de la comedia de Mike Newell.

Parece que se desprende del ñoñismo de aquella propuesta para ceñirse a la esencia: cómo la juventud es un regalo precioso cuando se sabe gestionar y cómo su poder destructor es mayor que el de cualquier otra franja horaria. La pureza sin cortar arrasa.

Hay un momento en que se puede agarrar un rayo de luz con la yema de los dedos. Si lo sabes gestionar, es tuyo para siempre. Si no, el riesgo de sufrir daños permanentes es elevado.

Sé que hay Hornby detrás porque las musas de Rob se toman debida revancha a manos de Jenny. Y por esa deliciosa revuelta, en esta ocasión el autor británico se ha mantenido, como cada vez que Mike visitaba el Madison Square Garden, estadio que violaba una y otra vez a base de suspensiones imposibles.

Tráiler de 'An education'.

Valoración: 7,5/10

Estreno: 26 de febrero de 2010

El nuevo 'Padrino' (poco original, pero es como es)

'Un profeta' (Jacques Audiard, 2009)

'Un héroe muy discreto' me picó la curiosidad; 'Lee mis labios' me irritó la primera vez y ahora me resulta un prodigio de tempo; 'De latir, mi corazón se ha parado', pese a su supuesta prepotencia, es mi debilidad. "Amar a Audiard", así tituló Sancho la crónica cuando Cannes estrenó su último Gran Premio del Jurado. Fácil abonarse a dicha declaració. 'Un profeta' es lo más grande que ha parido el cine francés en mucho tiempo, un drama carcelario que narra la ascensión de un árabe postadolescente hasta convertirse en un ogro avasallador de gesto calmo. 

Una obra de terror, si se mira con cierta perspectiva, que retrata estratos de nuestra sociedad que nunca querríamos conocer. Las lejanas y obscenas alcantarillas. Dicen que 'La cinta blanca', de inmaculado blanco y negro e irreprochable perdurabilidad será recordada como la película de 2009. Yo, por su más asible imperfección, me abono a 'Un profeta', dueña del mejor tiroteo desde que Michael Corleone entró a aquella cafetería a saldar cuentas familiares.

Tráiler de 'Un profeta'.

Valoración: 9/10

Estreno: 26 de febrero de 2010

El límite de lo imaginable no tiene por qué ser malo, quizá simplemente aburrido

'Precious' (Lee Daniels, 2008).

Leo en Fotogramas que Boris Izaguirre defiende enconadamente la alcantarillez social de 'Precious', que le conmueven todas y cada una de las putamierdas que le pasan a la rellenita protagonista; argumenta que el solo hecho de que "una vez" pase algo (incesto por parte del padre con dos embarazos como consecuencia) es excusa para retratarlo. A eso se conoce como sacar el todo por la parte. Y es un engaño.

Cuando, al contrario, generalizamos, es que estamos cogiendo la parte por el todo, algo muy denunciado en los debates (a la altura de la frase "¡Eso es fascismo!" —con lágrimas en los ojos—), lo que tampoco parece muy justo. 

Es por ello, que, a pesar de que no me interesa el descenso a los infiernos de Precious ni empatizo con ella porque no soy gordo, negro, seropositivo, violento, trastornado, maltratado o border line, la película no me parece tópica o una sucesión de clichés (y aunque me lo parezca, no la catalogaré así) como han dicho muchos críticos.

Yo, por mi humilde parte, simplemente sitúo lo nuevo de Lee Daniels en el estante de lo feo, lo ininteresante y lo aburrido. Me veo incapaz de cuestionar ninguna de las decisiones de guión o de construcción de personajes de esta cinta en particular. Si algo he aprendido en mi tránsito corporeo por la existencia (de las pelis que vi siendo otro ente no me acuerdo) es que en la vida real somos mucho más descalabrados que en muchas tramas de ciencia ficción, y, por ello, defiendo que lo único importane en este mundo es intentar ser un poco más feliz segundo a segundo y que la única limitación que se le puede poner a un guión en cuanto a actitud de los personajes es lo que no se le puede ocurrir a nadie. Y como eso no ha pasado todavía, esta frase es hueca.

Así que, a pesar de que no concuerdo con Boris en forma, si lo hago muy en el fondo.

 Tráiler de 'Precious' (Lee Daniels, 2008).

Valoración: 5,5/10

Estreno: 5 de febrero de 2010

Foxx da lo mejor de sí cuando hace de ciego o tarado

'El solista' (Joe Wright, 2009).

'El solista' es una película de valores humanos. Habla de cómo un periodista de pluma cínica y poca conciencia se topa con un virtuoso músico indigente que despierta su lado majo. Su labor oenegera le purifica, algo necesario teniendo en cuenta que la fama y el pedestal que había interpuesto con sus lectores le habían convertido en una especie de santón por encima del bien y del mal.

Es un drama contemporáneao basado en un libro escrito por el periodista George Lopez (Robert Downey Jr.). Se supervende en las librerías, sólo hay que echar un vistazo a las estanterías.

He puesto negrita en lo de "contemporáneo" porque dirige Joe Wright, habituado a los folletines de época con cancán, protagonizados por Keira Knightley si es posible. La transición no le salido mal, pero tampoco brillante. El inglés, que parece empeñado en conseguir Oscars por la vía rápida se apuntó en nómina a dos valores dramáticos seguros como Downey y Jamie Foxx. El primero, muy en la línea del barbudo Tony Stark si este se dedicara a escribir columnas semanales en vez de a diseñar juguetes de guerra. El otro, haciendo lo que mejor se le da, de tarado físico.

Cuando Foxx se sale del registro extraño o minusválido, o, construyamos en afirmativo, cuando va de tipo normal, pasa desapercibido. Muy bien dirigido tiene que estar para trascender la pantalla. Viene a la cabeza 'Miami Vice' y 'Ray' (ésta última por ponernos obvios y/o obsequiosamente indulgentes). Fuera de ello, no es la maravilla que todos se empeñan en vender.

No emociona demasiado 'El solista' porque suena a vista. A redención con trabas. A descafeinado y ultraexplorado intento de apelar a la fibra mediante atajos tan legítimos como cansinos. Es bastante impecable. Tanto que resbala un poquito.

PD. Sale Catherine Keener, pero eso ya no es novedad, porque Cathy sale en casi todo lo que se estrena.

Trailer de 'El solista'.

Valoración: 6/10

Estreno: 19 de febrero de 2010

De cómo hipotecar la carrera alrededor de un chico que parece McFly

Mark Ruffalo y Leo en 'Shutter Island' (Martin Scorsese, 2010)

A pesar de lo que siempre defiende el compañero Vallín, que Leonardo Di Caprio es el mejor actor americano vivo (no sé entonces en qué liga jugarán entonces Bill Murray, Edward Norton o Mickey Rourke), me pesa que Scorsese se obceque en crear su filmografía última con base en él.

Esto no es nuevo, ya pasó con Robert de Niro hace cuatro décadas, pero, qué quieren que les diga, a pesar de que 'Infiltrados' me parece una obra maestra imprescindible (tanto mejor cuanto sólo la veamos una deslumbrante vez y la recordemos en la retina con cariño), achaco a 'Gangs of NY', 'El aviador' y la última 'Shutter Island' aparatosos fallos de cast. Leo no envejece y eso en cine no es bueno.

En la primera de ellas le habría concedido el papel de Leo a Christian Bale, en la segunda a Ryan Gosling y en la tercera a Norton. Díganme si no habrían sido mejores.

Coincido en una caminata berlinesa con un crítico de una revista de tirada nacional a quien había leído siempre. Le digo que entiendo que voy contracorriente al no comulgar con las bondades de 'Shutter Island' y que si me puede explicar qué es lo que le ve todo el mundo: "Opresiva, inquietant y clautrofóbica", me responde.

Pues será que soy un valiente, contesto sin contestar.

Valoración: 5/10

Estreno: 19 de febrero de 2010

Berlín se alinea con Polanski y le concede el Oso de Plata

Esta foto de Polanski es de archivo, claro.

BERLÍN.— No apareció por teleconferencia como tampoco lo hizo el fin de semana pasado en la presentación de 'The Ghostwriter'. Aun así, Roman Polanski mandó un recado a la audiencia por boca de su productor cuando éste recogió ayer el Oso de Plata que le acreditaba como mejor director de la 60ª Berlinale: "Me gustaría estar aquí, pero, aunque pudiera, no iría, porque la última vez que acudí a un festival a recoger un premio acabé en prisión".

Nadie podrá decir que su galardón sea un regalo, sino más bien el reconocimiento del trabajo robusto y sutil de quien ha firmado su trabajo más fino en muchos años. 'The Ghostwriter' no es una película redonda, pero recoge muchos de sus mejores rasgos de demiúrgico controlador de la escena.

El turco Semih Kaplanoglu, Oso de Oro por 'Honey'.

Él es el único titular posible. Por ello, han tenido que bajar hasta éste tercer párrafo para constatar que el Oso de Oro, el que aparece en los listados del futuro, recayó en la turca 'Honey', tercera entrega de la trilogía iniciada por Semih Kaplanogu con 'Egg' en 2007 y continuó con 'Milk' un año después. Huevos, leche y miel, pues, son los ingredientes de una cinematografía guadiánicamente emergente que recibió anoche el máximo galardón sin molestar a nadie.

Junto con la rusa 'How I ended this summer' (premio a la contibución artística y premio ex aequo para sus dos actores masculinos) y la rumana 'If I want to whistle, I whistle' (Gran Premio del Jurado y Premio Alfred Bauer) figuraba en todas las apuestas. La tan cacareada función de lupa de cinematografías desfavorecidas o en vías de desarrollo tuvo en el Jurado presidido por el alemán Werner Herzog un portavoz concienciado.

Pero volvamos a Polanski, a su premio y a la dimensión política y extracinematográfica de su nombramiento como mejor director de esta algo grisácea y helada edición. Retrotraigámonos al 29 de enero, cuando Dieter Kosslick, director del Festival, anunció el concurso del autor de 'El pianista', matizando que su largometraje era una "declaración política", aunque no el acto de haberla seleccionado para el evento, que sólo atendía a sus rasgos de "genialidad". "Elegirla no ha sido una declaración política, sino artística", insistió.

El caramelo venía con contrapartida: "Polanski no vendrá a Berlín y no habrá ningún mensaje por vídeo", pronosticó. Heterodoxa técnica de promoción, aunque obligatoria por encontrarse el aludido en arresto el domiciliario en su chalet de Suiza por una causa de abusos sexuales a una menor que datan de hace 30 años.

Hasta ayer, cuando Polanski utilizó al productor Alain Sarde como ventrilocuo, lo más cercano que habíamos tenido al autor, dos veces antes honrado en Berlín (Oso de Plata al Mejor Director en 1965 por 'Repulsión' y dos años después, Oso de Oro por 'Cul-de-Sac'), fue una afectada intervención de Pierce Brosnan el pasado viernes 12, cuando explicó ante los medios internacionales la "consternación" que le produjo la detención de "alguien que es padre y esposo, como yo". Esperaba la pregunta y bordó la respuesta como si buscara el Óscar.

Han sido días de incertidumbre quinielística los que llevaba viviendo el periodismo especializado desplazado hasta la capital alemana para la cita. Por un lado Polanski participaba pero no concurría (justo al contrario que Scorsese y su 'Shutter Island'), pero, al contrario de lo esperable, la apertura del festival, honor tradicionalmente reservado a cintas norteamericanas de alto presupuesto o a glamourosas delicias del viejo continente plagadas de estrellas planetarias (en 2009 abrió Tom Tykwer dirigiendo a Clive Owen y Naomi Watts en 'The International'), recaía en la humilde 'Apart together', cinta de bajo perfil del chino Wang Quan'an. Ese jarro de agua fría dejaba a Polanski algo vendido.

Hasta ayer, día en que el sexagenario Festival con sede en la Postdamer Platz (zona franca y tierra de nadie que separaba a dos Europas hasta el derrumbamiento del muro) se decantó por el franco-polaco en un canto de sirena que fue también una apología al buen thriller.

La porra de la prensa española

Cenando una alucinante pizza en el restaurante de al lado de los cines de prensa, en la mesa contigua a la de Andreas Lust, protagonista de 'The Robber'.

Depardiéu vestido de Mickey Rourke parece un gigantesco limón

'Mammuth' (Benoit Delépine & Gustave de Kevern, 2010)

BERLÍN.— Depardiéu, que venía de tapado en la jornada de hoy, ha sorprendido positivamente con una comedia experimental dueña de una preciosa y dramática fotografía granulada y de tres chistes colosales. 'Mammuth' es una de esas pequeñas perlas que hacen que merezca la pena correr de una sesión a otra perdiendo cuadernos y bolígrafos por el camino. Una hermosísima banda sonora, emocionante poesía bullendo de cada plano y un gigantesco francés riéndose de sí mismo. ¿No es eso el cine?

Wintebottom se lía con el thriller psicótico

 Michael Winterbottom en Berlín.

BERLÍN.— El británico Michael Winterbottom trajo a concurso ayer la película más esperada de la semana tras el vacío de estrellas que dejó Scorsese al marchar el domingo. El nombre del director suena a cuatro participaciones (y dos premios gordos) en la Berlinale, a experimento continuo, a tocar un género distinto cada vez y a compromiso político. Poco de lo último contiene, sin embargo, 'The killer inside me', adaptación de una novela Jim Thompson fechada en 1952, que, según él, hurga en el "origen, desarrollo y producto de destrucción interna que conlleva la violencia".

"La violencia existe y no es un tema exclusivo para filmes de corte documental o relacionados con el mundo actual. Se encuentra en nuestro entorno cotidiano, en el doméstico o en nuestras lecturas, como las novelas de Thompson", respondió a quien tildó de superficial o de "ya vista" a la cinta.

Pero no sólo parte de la legión de periodistas cuestionó la incursión en el thriller de época por parte del ecléctico realizador, sino también muchos espectadores de pago, que abandonaron la sala espantados por la extrema crudeza de las escenas en las que Casey Affleck, un policía tejano inundado por un sádico espíritu asesino, pinta muchas paredes de sangre.

"No he querido revisitar a personajes como los de 'American Psycho' o 'Malas tierras'", confesó Winterbottom. "Toda la inspiración proviene de las páginas de Thompson y he intentado ceñirme a ellas", se excusó al ser reprochado por "no haber creado nada nuevo". Parece ser que si siempre eres social y un día te da por el género, debes dar más explicaciones que los demás.

Nos encontramos seguramente ante un film fallido por toda la cantidad de subtramas que pivotan alrededor de las alteradas y aleatorias motivaciones que llevan al protagonista a ejercer de encantador de serpientes en un momento y de descarnado ejecutor al siguiente. La vorágine creada por multitud de secundarios que entran y salen de la trama, por mujeres reales que se confunden con sueños de la infancia y por un acento tejano cerrado como un pistacho malo, hizo que el desconcierto post-proyección reinara sobre cualquier otro sentimiento.

A favor del británico computa una inquietud fuera de todo baremo que le lleva a moverse del docudrama a la comedia ligera y del pseudoporno a rodajes casi improvisados sin solución de continuidad. "Cada vez que decido enfrentarme a un proyecto me pregunto a qué es a lo que quiero dedicar los próximos dos o tres años de mi vida, y esta novela me atrapó".

En cuanto a su solitaria comparecencia, Winterbottom fue duro. "Casey (Affleck) no se prodiga en cine, y menos aún en las promociones. Es una lástima, porque los festivales son un entorno ideal para dar a conocer las películas a todo el mundo", dijo visiblemente decepcionado. Será cosa del frío o de que Berlín tiene seria alergia al glamour este año, porque tampoco Pe, duda hasta el último momento para la gala de presentación de 'Nine' (que anoche se estrenó en las salas comerciales del lugar), se animó a pasear por la alfombra roja.

Y si el gran director festivalero por excelencia no rayó tan alto como se esperaba, Gerard Depardiéu, que iba de tapado de la jornada, sorprendió positivamente con su interpretación en 'Mammuth', de Benoit Delépine y Gustave de Kevern, una comedia experimental con una preciosa fotografía de grano gordo y tres chistes colosales. Esto se acabó. Mañana, el palmarés.

Otra maldita película de Goebbels

El equipo de 'Jew Suss (Rise and Fall)'.

BERLÍN.— Partía como gran apuesta nacional y, sin embargo, gélidos pitidos bandasonorizaron los títulos de crédito de 'Jew Suss (Rise and Fall)', explicación metacinematográfica del éxito y ocaso de la cinta que nosotros conocimos como 'El judío Suss' (1940) y que supuso la contrapartida antisemita de Goebbels a la cinta homónima rodada en Inglaterra seis años antes.

Y no fueron unos pitidos que surgieran del tedio temático que se vive en estos lares, del mismo modo que muchas veces nos quejamos del eterno retorno a nuestra Guerra Civil. Ni siquiera porque sea la cuarta vez que veamos al ministro de propaganda de Hitler en un papel de peso en menos de un año de los 64 que tiene registrados.

El problema principal del que adolece el director Oskar Roehler es que, contando con un presupuesto holgado, una historia relativamente desconocida y parte de lo más granado de su star system, se haya deslizado hacia un nadismo ideológico que hace pensar que se nos ha tenido que escapar algo. Que no todo podía ser eso. Que por mucho que Moritz Bleibtreu (Goebbels) juegue a ser Christoph Waltz en 'Malditos bastardos', detrás tiene que haber sustento. Y, por ello, el pito. No se puede decir que el público local jugara al chovinismo ayer.

Aunque no todo fue enfado en el Berlinale Palast, porque las dos mujeres a concurso que completaban el fresco diario escupieron sendas sugerentes propuestas. Para empezar, la argentina Natalia Smirnoff compone en 'Rompecabezas' uno de los más minimalistas, cotidianos y estimulantes retratos humanos que por aquí hemos tenido el placer de contemplar. María Onetto, una abnegada esposa y madre que, heredando el espíritu interpretativo de Darín en el último Campanella, actúa únicamente con los ojos, huele a Oso de Plata. La única alegría de vivir de la santa mujer reside en "armar" puzzles, pasatiempo que, contra la empatía de la platea, la convierte en criatura maltratada por la burla.

Idéntico sentimiento de compasión desata sin amaneramientos Zrinka Cvitesic, protagonista de 'On the path', cinta de la bosnia Jasmila Zbanic que fija su ojo en un amantísimo matrimonio lentamente desintegrado por causa del islamismo fundamentalista que él abraza con fuerza tras ser despedido del trabajo. No todos se han sentido satisfechos con su aparente tibia conclusión, pero hay una tesis y se percibe, algo de apreciar siempre dentro del ecosistema festivalero donde los autores suelen contar como mérito cuantos más interrogantes insatisfechos, mejor.

Jordan McDeere...

Amanda Peet.

BERLÍN.— Amanda Peet no es una actriz famosa ni nada, pero es americana, es guapa y todos la hemos visto en diez pelis que quizá no recordemos. Yo me enamoré de ella haciendo de Jordan McDeere en 'Studio 60', una serie de Sorkin tan buena que fue anulada tras su primera temporada. O a lo mejor me enamoré de Jordan y por eso le tengo cariño a la actriz. Creo que el límite es fino, pero si queréis os lo miro. De todos modos, esto no es un diván sino un blog de cine. Este post sirve de avance. Pronto entrevista con Amanda/Jordan en Pastel de manzana.

El equipo de 'Please give' (Rebecca Hall, Catherine Keener y Amanda Peet) en Berlín.

Soy el nuevo apostol de Reygadas

 

Gael, Chenillo y Reygadas. 

BERLÍN.— Los mexicanos se divierten más que trabajan en las ruedas de prensa. Han venido a Berlín a pasarlo bien y no dicen muchos titulares porque prefieren zascandilear.

Ayer, algunos periodistas se quejaron de su actitud. Un poco "disrespectful", decían en los corrillos en el idioma internacional. Yo digo que es que hacen burla de todo. He convivido con mexicanos. Son socarrones.

Vengo de hacer pool en el que me he centrado en Carlos Reygadas, que es el que creo que tiene más cosas que contar y he alucinado absolutamente con su coco.

La entrevista que ahora vive en mi grabadora algún día será algo bueno gracias a él.

Todos los caminos llevan a Ginsberg

James Franco es Allen Ginsberg en 'Howl'.

BERLÍN.— Rob Epstein saltó a la fama de manera indirecta en 2008 cuando su oscarizado documental 'The times of Harvey Milk' (1984) fue actualizado gracias a la reversión dramatizada por Sean Penn. Cinco años más tarde, 'Common Threads', estudio canónico sobre el SIDA rodado ya al lado de su inseparable Jeffrey Friedman, se hizo con una nueva estatuilla.

Ambos realizadores compiten en la Berlinale a los mandos de 'Howl', su primera ficción tras más de 20 años como documentalistas. Su protagonista: Allen Ginsberg (1926-1997), poeta gay declarado que en los 60 tendió un puente intelectual entre beatniks y hippies. "La razón del cambio de género es que no se conservaban fotos ni filmaciones del autor", explica Epstein en una entrevista concedida a este periódico. Algo había que hacer, así que contrataron a James Franco.

 

Los directores Jeffrey Friedman y Rob Epstein.

Es cierto que abordar un biopic les hizo no alejarse del todo de lo que saben hacer bien, pero se hace obligatorio bordear la simplista etiqueta del "falso documental". ¿Las razones? Cuatro estilos narrativos diferentes para definir al poeta (blanco y negro para Franco recitando 'Howl'); a su obra (líricas animaciones emparentadas con 'Vals con Bashir' para representar otras obras de su cosecha); al hombre (entrevista ficcionada —construida a partir de recortes de prensa— al Ginsberg joven para explicar parte de su biografía); y al proceso que juzgó en 1957 la inmoralidad de su literatura. "Tampoco había imágenes del juicio —cuenta Epstein—, pero cuando descubrimos la transcripción, acordamos que sería apasionante recrearla". "Ambos leímos 'Howl' en la universidad y fuimos conscientes del proceso judicial que le supuso, pero no fue hasta abordar el proyecto que reparamos en la magnitud de lo que allí se debatió", completa Friedman.

Por encima de toda la riqueza complementaria aportada por el juego de texturas "conjugadas orgánicamente en la sala de montaje", según Friedman, destacan precisamente las escenas que tienen lugar en la corte, en las que el abogado Jon Hamm ('Mad Men') y el fiscal David Strathairn hacen desfilar por el estrado a toda una galería de profesores y supuestos eruditos opinadores (Maty Louise Parker, Jeff Daniels y Treat Williams), perfectamente ajustados a sus anecdóticos papeles de special guests stars.

Temas presentes en 'Howl' como "la soledad, la homosexualidad y la represión sexual son incuestionables, pero el poema habla también de la deshumanización, del consumismo, de la militarización y de la guerra de culturas que aun continúa en nuestro país", explica Epstein. Es por esa universalidad que los beatniks no pasan de moda, y si no que se lo digan a los herederos de Keroauc, cuya reedición de 'En el camino' se vendió con rabia durante las pasadas navidades. Fiebre que seguro se multiplicará si las quinielas que dan a James Franco como posible Oso de Plata acaban por concretarse.

Diego Luna y Gael García Bernal 'revolucionan' Berlín

Gael García Bernal, uno de los directores de 'Revolución'.

BERLÍN.— Nadie diría que vienen a presentar una película. Parecen más bien una horda de alegres mariachis. Para el momento en que tengan en sus manos este periódico ya se habrá celebrado en la embajada mexicana de Berlín la más famosa de las fiestas del festival. La tradición así lo dice.

No es por restar méritos artísticos a 'Revolución', compendio de diez cortos proyectado ayer en la sección Berlinale Especial, pero es que Diego Luna, uno de sus tantos directores, así lo cuenta: "Nos juntamos una serie de compañeros realizadores atendiendo únicamente a que pudiéramos aguantarnos durante las cuatro borracheras que compartiríamos durante la promoción".

Explica de este modo, en tono de broma, por qué entre el elenco de talentos puestos de acuerdo para homenajear los cien años de revolución mexicana (1910-1917) que se cumplen el próximo 20 de noviembre no se encuentran los reputados Alejandro González Iñárritu o Alfonso Cuarón. No se les echa de menos, sin embargo, porque talentos del calibre de Rodrigo García, Carlos Reygadas, Rodrigo Plá o su cuate de siempre, Gael García Bernal, hacen un trabajo que destila tanta heterogeneidad como sentido del humor.

Puede que sea precisamente el protagonista de 'Amores perros', uno de los más inexpertos del proyecto, quien firme con 'Lucio' la más atractiva pieza del conjunto. Su rechazo de las imágenes religiosas y de cualquier símbolo relacionado con la iglesia ha sido uno de los más queridos por público y crítica. "La religión tuvo un papel importantísimo en la revolución porque ésta se resolvió con la separación definitiva entre Iglesia y Estado", explica él mismo. "Hoy, todavía, levantarse contra esos símbolos supone un gesto de rebeldía".

Con respecto a la vigencia de aquella brecha histórica y su posible utilidad, Diego Luna se muestra algo escéptico: "Nos juntamos una serie de señores para conmemorar aquello y para darnos cuenta entretanto de si es verdad que había algo que celebrar”, línea secundada por el productor Pablo Cruz: "Creemos que la revolución no es nada. La educación que damos de nuestras escuelas no es capaz de transmitir la barbarie que supuso todo aquello".

Resume y abrocha con maestría el filme Rodrigo García, quien en su corto '7th en Alvarado' compone una minipeliculita musical muda que en nueve minutos superpone imágenes presentes y ficciones del pasado, toda una declaración que viene a decir que lo que éramos y lo que somos no se diferencia en casi nada.

De la sangre de los Coen al ketchup de Yimou

Zhang Yimou.

BERLÍN.— No tiene mucho que ganar Zhang Yimou compitiendo en la Berlinale. Su 'Sorgo rojo' se impuso en 1988 y el Oso de Oro no es propenso a ser abrazado por segunda vez. Se expone. Podría decirse que gana más el festival teniéndole que él pasando frío aquí. Su vuelta al cine tras el parón de cuatro años que supuso coreografiar aquel Pekín impresionante y olímpico tiene forma de remake de 'Sangre fácil'. Con 'A woman, a gun and a noodle shop' revisita el debut de los hermanos Coen, obra fundacional de una filmografía regia que asentó sus bases tragicómicas hace más de un cuarto de siglo.

Percibidos los judíos como dos genios fluctuantes entre la risa y la violencia desgarrada, su cosecha conoce dos extremos muy subrayados: la homenajeada y 'El gran Lebowski', hipérbole desmesurada de lo que ellos entienden por humor. Pues bien, para que nos entendamos, 'A woman, a gun and a noodle shop', se situaría en el centro de ambos extremos.

Porque la sequedad que desprendía el duelo entre M. Emmet Walsh y Frances McDormand en 1984 es suavizada aquí con chistes manga, con torpes y/o amanerados personajes y con un tono general en el que algunos han apreciado caricatura. La sangre fácil en esta ocasión es igual de fácil, pero sabe más a ketchup.

Zhang explicó tras la proyección que el original le encantó en los 80, a pesar de no entender los diálogos por verla sin subtítulos en chino, y que fue la fuerza de sus imágenes la que le inspiró. Por ello, para rendir tributo a dicha potencia visual, se ha decidido a narrar un thriller casi mudo a partir del meridiano, lo cual facilitará, seguro, la concepción de un eventual re-remake a aquellos que no hablen chino y que hoy se hayan emocionado a su vez con la belleza de las montañas rojizas de Gansu (en el noroeste del país), los adefesios de trajes con chorreras que visten los protagonistas o una sucesión de fotografías impresionantes que ya son marca de la casa.

No ha gustado demasiado a la crítica más ortodoxa, que califica al filme como menor teniendo en cuenta antecedentes más graves y épicos como 'La casa de las dagas voladoras' o 'Hero'. Tampoco es el Zhang íntimo y sutil de 'Ni uno menos'. Es otra cosa. "He corrido un gran riesgo, ya que mi público está acostumbrado a ver películas más serias, pero cada vez busco hacer algo distinto, probar y sorprender". ¿Zhang Yimou 2.0?

Explica su incuestionable vacío temático y marca el punto final argumentando que quería experimentar con el estilo, partir de una trama "simple". Blood simple reloaded. "A los Coen les ha gustado", dice, y, si ellos no le tosen, ¿quiénes somos el resto de los mortales?

Echando unas risillas con Tilda

BERLÍN.— Hoy he entrevistado a la divina Tilda Swinton en un bar ruidoso. La cosa ha ido bien, sobre todo cuando he sido capaz de mantener mi maldita bocaza cerrada al inundarme unas inaguantables ganas de preguntarle que qué tal rodar escenas de sexo con Jordi Mollá en 'El cónsul de sodoma'. Es que me ha venido un flash de Bimba Bosé y por un momento me han parecido indistinguibles.

A mi favor diré que se ha descojonado con una chorrada que le he dicho. Al contarme que 'Io sono l'amore' era la primera película en la que alguien rodaba una escena de amor con comida en vez de con un compañero sentimental le he respondido: "'American Pie' also". Es entonces que su risa se ha convertido en cacareo y se ha tenido que tapara la boca con las dos manos durante unos 20 segundos.

Siempre he dicho que soy más gracioso en inglés.

Quan'an lost in translation

El chino es el de la derecha.

BERLÍN.— Entrevistando a Wang Quan'an, que presenta en Berlín estos días 'Apart together', me di cuenta de que lo que contaba Soffia Coppola de Tokio era toda la verdad. La intérprete tardaba como el triple que los interlocutoras en traducir en ambas direcciones.

Fue una entrevista sin mucha chicha porque nos quedamos lost in translation.

El gollum en carne y hueso

BERLÍN.— El de la derecha de la foto no es un rocker, es Andy Serkis, socio de Peter Jackson, hombre detrás del bicho y actor alucinante cuando se quita la careta. Lo que ha creado en 'sex&drugs&rock&roll' ha entrado ya, por derecho propio, en el top 10 de los biopics musicales. No sé cómo sería Ian Dury, pero estoy seguro de que Andy hace de él mejor que él mismo.

PD. El de la izquierda es un espontáneo jodefotos.

Olivia Williams, inmortal en Berlín

BERLÍN.— Ayer presentó 'The Ghostwriter', de Polanski (Sección Oficial a Concurso), y 'sex&drugs&rock&roll', de Mat Whitecross (Panorama). Yo estoy un poco prendado de ella desde 'Academia Rushmore' y ayer la tuve a dos metros. La foto no es mía, es la foto de una foto que adorna el Berlinale Palast, pero corresponde a la ropa que llevaba ayer, así que como si sí. Cuando la vi pasar a la misma sala que yo (Cinamaxx 7, 10 p.m., nunca lo podré olvidar) se me puso la lengua de trapo al intentar articular un "¡Olé!".

Unos fans alemanes quisieron hacerse una foto con ella y los de seguridad casi les parten la cabeza. A veces una lengua de trapo vale más que la posibilidad de que un casamiento apañado pero con riesgo de daños permanentes incorporado.

Oskar Santos: "El género es lo que vende"

Oskar Santos, director de 'El mal ajeno'.

BERLÍN.— El novel Oskar Santos sigue los pasos de su amigo (y productor) Alejandro Amenábar al presentar 'El mal ajeno' en Berlín (en la sección Panorama) 14 años después de que éste mostrara 'Tesis a un gran público por primera vez.

¿Cómo es que se ha prolongado tanto en el tiempo este proyecto?

La idea la tuve hace 10 años, se la enseñé a Alejandro y le pareció muy bien, pero no se nos ocurría cómo desarrollarla. Años más tarde conocí a Daniel Sánchez Arévalo ('Gordos') y dijo que la quería escribir. A todos nos pareció bien.

Un drama de género con elementos paranormales…

El género es lo que vende ahora mismo y lo utilizo para como metáfora para hablar de un médico, que, acercándose a sus pacientes, busca encontrarse con los suyos.

¿Cómo le da a Noriega un papel tan por encima de su edad?

Fue una apuesta personal del productor Fernando Bovaira. Sólo le hacía falta un poco de caracterización, y, vistos los resultados, mereció la pena. Belén Rueda era fija casi desde el principio. Si de algo estoy orgulloso es del trabajo de los actores.

¿Va a ser un estreno modesto?

Qué va, va a ser a lo grande (el 19 de marzo) porque Bovaira cree muchísimo en la cinta. Ha sido él quién se ha empeñado en traerla a Berlín.

Tráiler de 'El mal ajeno'.

Evangelín en Berlín

BERLÍN.— Jeremy Renner la tiene haciendo tortilla de patata en casa y se va a Irak a desactivar bombas... porque está mal de la cabeza.

Tom tiene cosas dentro

'Un hombre soltero' (Tom Ford, 2009)

Me llega un input imposible de ubicar, con lo que lo clasificaré en el tag de leyendas urbanas, según el cual un colaborador de toda la vida de Tom Ford le dijo después de visionar su debut en la dirección: "Siempre había pensado que eras un envoltorio precioso aunque vacío por dentro, pero ahora me he dado cuenta de que realmente eres muy sensible".

'Un hombre soltero', además de ser un manifiesto progay de tremenda sensibilidad, es una de las películas más deliciosas en su buen gusto que soy capaz de recordar. Todo absolutamente, desde la música hasta la fotografía pasando por la sutil y contenida actuación de Colin Firth, transpiran elegancia y aroma clásico.

Puede que Ford se haya vaciado con su (imperfecta pese a todo: el final no es redondo aunque tampoco sirve para que nuestro juicio se opaque demasiado) ópera prima, pero serían buenas noticias si le quedaran más historias dentro, si resulta que es cierto que tras su deslumbrante envoltorio hay un cineasta que no es simplemente flor de un día.

Valoración: 7/10

Estreno: 12 de febrero de 2010

Porra Goyas 2010

  Buenafuente, el delfín de Álex, al filo del abismo del directo.

Después de lo divertido que fue hacer los Goya el año pasado, este domingo 14 me los voy a tener que perder por tener que marchar a la Berlinale (en este link podréis seguir lo que rasque por allí). No sé qué atención podré prestar al blog en los próximos 10 días, pero, de momento, os dejo aquí mi porra de los Goya. Toda porra seria se hace pensando en quién puede ganar más que en quién quieres que gane. Por ello, en algunas de mis casillas pongo anotaciones, porque si no reviento.

Tosar, la más clara caslla de todas, espera repetir el éxito de 'Te doy mis ojos' (Icíar Bollaín, 2003).

Mejor película:

Agora
Celda 211 (que, siendo muy buena, me emociona menos que 'El secreto de sus ojos')
El baile de la Victoria
El secreto de sus ojos

Mejor dirección:

Alejandro Amenábar, por Agora
Fernando Trueba, por El baile de la Victoria
Juan José Campanella, por El secreto de sus ojos
Daniel Monzón, por Celda 211

Mejor actor:

Ricardo Darín, por El secreto de sus ojos
Antonio de la Torre, por Gordos
Jordi Mollá, por El cónsul de Sodoma
Luis Tosar, por Celda 211 (sentimentalmente se lo daría a Darín)

Mejor actriz:

Lola Dueñas, por Yo, también (en contra de Penélope va que ya tiene tres -y uno muy reciente del año pasado-, pero éste es sin duda, su mejor papel)
Maribel Verdú, por Tetro
Penélope Cruz, por Los abrazos rotos
Rachel Weisz, por Agora

Mejor actor de reparto:

Antonio Resines, por Celda 211
Carlos Bardem, por Celda 211
Raúl Arévalo, por Gordos
Ricardo Darín, por El baile de la Victoria (porque se merece el de principal pero Tosar es imbatible)

Mejor actriz de reparto:

Marta Etura, por Celda 211
Pilar Castro, por Gordos
Verónica Sánchez, por Gordos
Vicky Peña, por El cónsul de Sodoma (porque el papel de Etura es el único que sobra de 'Celda 211')

Mejor dirección novel:

Álvaro Pastor y Antonio Naharro, por Yo, también
Borja Cobeaga, por Pagafantas
David Planell, por La vergüenza
Mar Coll, por Tres días con la familia (Cobeaga lo tiene difícil por ir con comedia)

Mejor actor revelación:

Alberto Ammann, por Celda 211
Fernando Albizu, por Gordos
Gorka Otxoa, por Pagafantas
Pablo Pineda, por Yo, también (es imparable, aunque para mí el bueno es Amman)

Mejor actriz revelación:

Blanca Romero, por After (porque es lo único bueno de su peli aparte de la BSO y Villamil no es ninguna revelación)
Soledad Villamil, por El secreto de sus ojos
Leticia Herrero, por Gordos
Nausicaa Bonnin, por Tres días con la familia

Mejor guión original:

Alberto Rodríguez Librero, Rafael Cobos, por After
Alejandro Amenábar, Mateo Gil, por Agora
Daniel Sánchez Arévalo, por Gordos (lo peor de Los abrazos rotos es que está escrita de manera que no hay quien entre en ella)
Pedro Almodóvar, por Los abrazos rotos

Mejor guión adaptado:

Antonio Skármeta, Fernando Trueba, Jonás Trueba, por El baile de la Victoria
Daniel Monzón, Jorge Guerricaechevarría, por Celda 211
Eduardo Sacheri, Juan José Campanella, por El secreto de sus ojos
Jaoquin Górriz, Miguel Ángel Fernández, Miguel Dalmau, Sigfrid Monleon, por El cónsul de Sodoma

Mejor música:

Alberto Iglesias, por Los abrazos rotos (por inercia y para contrarrestar el vacío de Pedro)
Dario Marianelli, por Agora
Roque Baños López, por Celda 211
Federico Jusid, por El secreto de sus ojos

Mejor canción:

‘Agallas vs. Escamas’, de Agallas
‘Stick to the Man’, de Planet 51
‘Spanish Song’, de Spanish Movie
‘Yo también’, de Yo, también

Mejor fotografía:

After
Ágora
Celda 211
El secreto de sus ojos

Mejor montaje:

El baile de la Victoria
Celda 211 (porque no te deja pensar ni un minuto. Sólo te absorbe)
Ágora
Gordos

Mejor sonido:

Ágora
Celda 211
El baile de la Victoria
Mapa de los sonidos de Tokio (de perogrullo)

Mejor dirección artística:

Ágora
Celda 211
El baile de la Victoria
El cónsul de Sodoma

Mejor diseño de vestuario:

Ágora
El baile de la Victoria
El cónsul de Sodoma
Los abrazos rotos

Mejor maquillaje y peluquería:

Ágora
Celda 211
El cónsul de Sodoma
Los abrazos rotos

Mejor documental:

Cómicos
Garbo, el hombre que salvó el mundo
La mirada de Ouka Leele
Últimos testigos: Fraga Iribarne-Carrillo, comunista

Mejor cortometraje de ficción:

Dime que yo
Lala
La Tama
Terapia

Mejor cortometraje de animación:

Alma
La dama y la muerte
Margarita
Tachaan

Mejor cortometraje documental:

Doppelgänger
En un lugar del cine
Flores de Ruanda
Luchadoras

Mejor película extranjera de habla hispana:

Dawson: Isla 10
Gigante
El secreto de sus ojos
La teta asustada

Mejor película europea:

Bienvenidos al norte
Déjame entrar
La clase
Slumdog Millionaire

Mejor película de animación:

Animal Channel
Cher ami
Pérez, el ratoncito de tus sueños 2
Planet 51 (es que si no, ¿qué?)

Mejor dirección de producción:

El baile de la Victoria
Ágora
Celda 211
Che, Guerrilla

Mejores efectos especiales:

Ágora
Celda 211
Rec 2
Spanish Movie

Vía: Academia de Cine

PD. Según mi pasteloso pronóstico, 'Ágora' se erige en ganadora cuantitativa de la noche (7 Goyas), pese a que la victoria moral va para Celda 211, mojando en casi todo lo gordo (4 Goyas). Les siguen 'Yo también', con tres cabezones, y 'El secreto de sus ojos', con dos.

PD2. 'El secreto de sus ojos' habría sido más justa vencedora de una gala que muchas de las que reinaron otros años, pero 'Celda' es mucha 'Celda' en 2010. No sólo es buena, también ha hecho dinero, ha salvado la industria, y hay un compromiso moral contraído con ella, lo que no quiere decir que le esté restando mérito alguno.

PD3. Es de vergüenza que haya quedado fuera del cuarteto de premiables a mejor película 'Gordos'. Es mucho más redonda que 'El baile de la victoria'. Siguiendo con la metáfora, si redondo es bien, 'El baile...' es triangular.

Miguel Albaladejo: "Lo mío es el glamour del arrabal"

Miguel Albaladejo.

El apellido Albaladejo es complicado, por lo que después de presentarles a don Miguel en esta entradilla, se hará referencia a él sencillamente como "el director", "el realizador" o cualquier otro sobrenombre que surja sobre la marcha, no sea que un descuido le haga verse mal escrito en negro sobre blanco. El "autor", pues, presentó ayer ante los medios madrileños Nacidas para sufrir, que llegará el próximo viernes a las pantallas españolas y el día 16 se proyectará en la Berlinale (en la sección paralela Panorama) que mañana arranca.

"Siguiendo la tradición de humor negro de los Ferreri, Forqué o Berlanga" —de éste último fue ayudante de dirección en 'Todos a la cárcel' (1993)—, el entrevistado se desmarca con una nueva comedia costumbrista, género en el que se lleva curtiendo desde que en 1998 debutara con 'La primera noche de mi vida'.

Pero volvamos a 'Nacidas para sufrir', y a Petra Martínez y a Adriana Ozores, sus motores, dos señoras de pueblo cerrado que viven una simbiosis mediante la cual la primera (una anciana sola que reniega de las residencias como un gato del acuático aseo diario) arrastra a la segunda (su abnegada asistenta de toda la vida) a una vida de sumisión.

Este conato de explotación, exagerado por el realizador para crear su atmósfera de comedia incómoda, no es sino la consecuencia ortopédica de una “relación platónica” dentro de un ambiente demasiado antiguo como para poder explicitarse sin que el cielo se derrumbe sobre sus cabezas.

Ha querido contar, según explica, "una historia de amor entre dos mujeres con final feliz", propinando mientras tanto diversas cariñosas collejas a la iglesia, como en esa escena en la que un alto cargo del clero abronca a las dos protagonistas por querer contraer matrimonio (por conveniencia), que se resuelve con desplante airado a su ilustrísima. El vodevil de pueblo se presta a la carcajada y con ello ha querido jugar el director. "Mi película quizá habla de lo mismo, pero su tono no es el de 'Solas' ni el de 'Furtivos'", asegura.

Sin embargo, no esperen, ni siquiera dejándose guiar a ciegas por el título o por la presencia en papeles secundarios de Malena Alterio o Mariola Fuentes (una fija de sus repartos), "una comedia petarda de Chueca", advierte.

Otra más, y ya van ocho cintas, en la que los planos huelen a aceite de salchichas reciclado y saben a yogur marca blanca. El interpelado, uno de nuestros directores más tiernamente cotidianos, reconoce que de nuevo se las ha apañado para alejarse del glamour, aunque no de manera consciente. "Si damos por sentado que el tema que siempre trato es la soledad, podría fijarme alguna vez en jóvenes guapos y estupendos que se sientan así. Aunque bien, pensado, sí que he retratado glamour: glamour del arrabal".

Apadrinado por el omnipresente productor Gerardo Herrero, dice haber sentido "libertad total a la hora de filmar la película que había imaginado". "Lo que quería contar me ha salido y he sabido esquivar el final ñoño al que tanto temía, por lo que, tanto si la película gusta como si no, la culpa será enteramente mía", ríe al despedirse.

'Lost' 'Avatar'es de la vida

Vía: Locos perdidos.

ACTUALIZACIÓN:

Hace tiempo vi algo parecido referido a 'El caballero oscuro'. Disfrutad de su malsana e irreverente perversión:

Vía: Monorail.

El posmodernismo animado es como el porno amateur

'Tiana y el sapo' (John Musker & Ron Clements, 2009)

Tenía muchas ganas de ver lo que los clásicos Musker y Clements habían hecho en su vuelta a la animación 2D. Recuerdo haber visto 'La sirenita' en el sofá de mi casa a los 10 años. Me la dejó un vecino que tenía toda la colección de clásicos en una estantería que parecía brillar. El dicho popular ése que te sueltan cuando está aprendiendo inglés de My taylor is rich but my father is poor adquiría sentido en mi existencia cuando cambiabas una sola palabra: My neighbour is rich but my father is poor (So do I). Con tal aval, la experiencia se antojaba excitante ayer.

Y por qué una vuelta a la animación clásica. Pues porque está todo trillado, saturado, se ha tocado techo. Este año los globos de 'Up' han llegado lo más alto que se puede en animación por ordenador. El posmodernismo supone por definición la superación de lo moderno. Y, tal y como ocurre con el apocalipsis, que deviene en periodo postapocalíptico, si es que eso tiene sentido para alguien, vuelta a la prehistoria y vuelta a empezar. 

El porno (creo, me lo ha dicho un amigo) también ha pasado por tales etapas. Las mujeres corrientes dieron lugar a conejitas playboy de pechos operados, lo que desembocó en experimentos biológicos imposibles (las tetas vixens), que, de tanto hincharse (y apréciese que esta frase es matalingüística pura), acabaron por explotar y se volvió a lo de siempre. Me llegan inputs de que lo que más vende ahora es el porno amateur, el posmodernismo sexual, la vecina del quinto y tiro porque me toca.

Tiana y el sapo ligón.

Sin salirnos de las perversiones sexuales, estaba doblemente motivado a la hora de abordar la cinta del día: las sinopsis hablaban de una adolescente negra que se lo hacía con animales. Zoofilia en el peor de los escenarios, bestialismo en caso de que Musker y compañía decidieran hacer de su capa un sayo, pero cuál ha sido mi sorpresa al comprobar que no se observa siquiera un conato de coito humano-anfibio en toda la función y sí una vuelta al Disney más amable. 

No hallamos pues demasiada doble lectura. Posmodernismo puro. 'Tiana y el sapo' apela a lo más blanco del alma infantil y además, en vez de intentar agradar a los adultos acompañantes por sus juegos de palabras, opta por jugar la baza de la nostalgia haciendo rememorar aquellos maravillosos años en los que My neighbour was rich but my father was pour. 

Time la eligió mejor película de 2009 en un gesto que sonó más a modernez posmoderna que a satisfacción de un galardón merecido, pero no puedo decir, de ninguna manera me atrevo a denunciar, que este clásico iconoclasta (la tetuda protagonista es negra —y hace gestos de negra chunga—; tanto ella como su chorbo se convierten en sapos en vez de al revés —guiño y sublimación de 'Shrek'— y además se afronta la mafia, la magia negra y la muerte con pulcritud que no da lugar al trauma). Todo bien por ese lado. 

El cocodrilo recuerda al dragón de Elliot.

En cuanto a la estética, desconcierta un tanto, ya que en vez de volver a las raíces propias ('La sirenita', así como su heredera natural, 'La Bella y la Bestia', eran del  todo comedidas formalmente), los directores ponen su ojo en el onirismo de las borracheras de 'Dumbo', la psicotropía de los números musicales del genio de 'Aladdín' y la flexibilidad imposible de los híbridos 'La bruja novata' o 'Pedro y el Dragón Elliot' (el cocodrilo jazzista de 'Tiana' es familiar suyo, del dragón digo). Y como Oriente es obligatorio y es de tontos negarlo, aprecien las referencias a Miyazaki en el diseño de la bruja buena. Todo buen posmoderno sabe poner un ojo atento en lo inmediatamente anterior.

Tráiler de Tiana y el sapo.

Valoración: 7/10

Estreno: 5 de febrero de 2010

El maquillaje de Bubbs, lo peor de 'The Wire'

Andre Royo es Bubbs.

Vale que 'The Wire' sea la hostia, pero en una serie que es tan la hostia se lo podían haber currado más para que el diente que le falta a Bubbs no cantara tanto a edding negro.

PD. Me pregunto si será honesto soportar medias horas enteras de la serie con la única esperanza de que aparezca Omar silbando y avíe a un par de hermanos.

La idiota que tumbó a la más grande

 

'Dear John', como 'El diario de Noa', se basa en una novela de Nicholas Sparks.

La escena superior pertenece a 'Dear John', la idiota que ha tumbado a 'Avatar' y de la que nadie se acordará nunca más que por eso.

Me chiva Wert que el último romance adolescente de Lasse Hallström ha conseguido este fin de semana lo que 'Perdidos en el espacio' (pongo hyperlink porque, si no, pocos sabrán de la que hablo) hizo con 'Titanic'. Pues eso.

Como 'Austin Powers II' con 'La amenaza fantasma'.

La vida, que a veces es una comedia en sí misma.

Si David Lynch hubiera dirigido 'Salvados por la campana'

Existen además otra serie de perlas igualmente inquietantes, como es David, claro. Dejo aquí una ristra de links que pueden decorar muy apañadamente el perfil de vuesta red social favorita:

• Si David Lynch hubiera dirigido 'Dirty Dancing'.
• Si David Lynch hubiera dirigido 'Los increíbles'.
• Si David Lynch hubiera dirigido 'Cómo perder a un chico en 10 días'.
• Si David Lynch hubiera dirigido 'House M.D.'.
• Si David Lynch hubiera dirigido 'El retorno del Jedi'.

Y un bonus track para todos aquellos que seáis forófos de la NFL. Si la Super Bowl (que hoy se celebra) la hubieran filmado...

Quentin Tarantino, David Lynch, Wes Anderson, Jean Luc Godard y Werner Herzog.

Vía: Slate.

El guarreo guerrero como plataforma hacia el olimpo gafapástico

 

'The hurt locker' (Kathryn Bigelow, 2008)
 

'En tierra hostil (The hurt locker)', es una de ésas películas que todo lo que tiene te lo da. Cierto que puede que la hayamos hinchado entre todos en exceso, es la peli indie fenómeno, la 'Lost in translation' de 2010, la 'Amelie' de los circuitos eruditos. El tono es diferente, claro está, pero si la recomiendas y no gusta, el tonto es el otro. Pero pronto dejará de molar, sobre todo si se lleva un cerro de óscares. Los gafapastas no son gente con firmes convicciones. Cuando su querencia se hace masiva, lo cool es despreciar la opción que en un principio apoyaron. Así, mediante un alambicado sistema de filias y fobias alternativas van desmarcándose de la manada y quedándose sin amigos, inaugurando una manera de pertenecer a una minoría que no atiende ni a etnias ni a religiones, sino a un deseo de llevar la contraria a todo vecino con que se topan.

Lo nuevo de Bigelow es la típica cinta pequeña que uno destapa y todos se suman, y a la que el efecto dominó de los premios le hace ganar prestigio por inercia. Un exponente de primera clase más de guarreo guerrero, la que más me ha gustado a este respecto desde 'Tigerland' (antes vino la primera hora de 'La chaqueta metálica', pero para eso hay que retrotraerse mucho), aunque, obvio, no es perfecta. Y no porque su guión no lo sea, sino porque no toca (y no es que sea su obligación, no todas pueden ni deben porque tiene que ser obligatoriamente la liga de cada filme que se estrena) todos los palos de la emoción humana, como 'Avatar', como Nudozurdo.

El chalado Renner en acción.

En un intercambio matutino de mail con el compañero Martierena, éste me cuenta que la explicación que dio Kathryn Bigelow para utilizar actores desconocidos (Jeremy Renner a los mandos es un astro de nuevo cuño) fue que "si eliges a Tom Cruise, el público ya sabe que no va a morir. O, de hacerlo, no será hasta el final. Y con una muerte digna y justificada". Para empezar, Kathryn, es improbable que Cruise te hubiera dicho que sí, por lo que tus declaraciones me parecen de chula fantoche. Y sí se puede tener miedo a que muera el bueno (y de forma indigna y humillante, extenuado por quemaduras de cigarrillos, por ejemplo), a mí me pasa con cada capítulo de '24'. De hecho Kiefer Sutherland ya ha muerto (y resucitado) por lo menos tres veces, bastantes más que Dios.

Bueno, a lo que iba, que me meto en discusiones yermas con gente que no me escupiría por no gastar saliva y me lío, saludo la frescura argumental minimalista de 'En tierra hostil', la velocidad brutal que mete al espectador con cada uno de los cortos pausados de que se compone su estructura y al diseño de un personaje que perdurará porque está tan chalado que rezuma verdad, porque nadie puede inventarse a un tipo así.

SPOILER La declaración de principios de tal chalado hijodeputa es tener a Kate ('Perdidos') haciendo sopa en casa y, aun así, echar otra bola a la ruleta. FIN DEL SPOILER.

Tráiler de 'The hurt locker'.

Valoración: 8/10

Estreno: 29 de enero de 2010 (vista en Venecia 2008)

Cuando hacer una mala peli es productivo por contraste

'Loca obsesión' (Phil Traill, 2009).

Si Sandra Bullock gana este año un Óscar por 'The blind side' será en gran medida porque fue rodada la misma temporada que esta peliculita insustancial. 

"Pizpireta" es el único adjetivo que se viene a la mente para definir su cómico posar, sus despatarres, sus caídas constantes y su desastrado sentido de la autoparodia. 

Para los que no hayan visto la cinta (ni la vayan a ver jamás de los jamases) explicaré que sus muecas y desmanes tienen que ver con la inocencia naif de Cameron Diaz sumada a la mala suerte de Ben Stiller en 'Algo pasa con Mary'. Así que un híbrido deudor de la factoría Farrelly (al menos es la etapa inspirada de los Farrelly) es lo que tenemos entre manos. 

Sandra cumple en su rol de patética soltera abrumada por un entorno que la puede devorar en cualquier momento. Atónito ante tal torrencial dechado de despropósitos asiste Bradley 'Fénix' Cooper, que en Alias parecía un pringui y ahora se asemeja al galán más pulcro del nuevo Hollywood. Su suerte: La cabeza no le ha crecido a lo ancho como a DiCaprio.

Tráiler de 'Loca obsesión'.

Valoración: 2/10

Estreno: 5 de febrero de 2010